Profesores: Beatriz Navarrete, Rodrigo Ortega.
Cátedra: Historia del Arte
Segundo Semestre 2010
Alumna: Marcela Fernanda Urrea Chávez
Fecha: 3 de diciembre de 2010
Calificación: Muy Bueno
¿Puede el arte ser un instrumento de denuncia y conciencia social?
¿Arte cómo belleza o arte como pensamiento crítico? Definir arte es indudablemente una dificultad, ya que arte es un palabra verdaderamente amplia, en las etapa de la historia se ha definido de tantas maneras como expresión formales tiene, desde un saber hacer, hasta un manifiesto social o político.
Arte, ¿expresión y belleza o expresión y conciencia? ¿Diálogo o técnica?
Lo que me convoca a esto es la simple razón de encontrarme con un mundo enfermo, un mundo que sufre de sordera, anorexia y amnesia, al cual, a veces, prefiero no pertenecer pero siempre mantengo la esperanza de ser oída, es ese el momento donde creo que el hombre decide expresarse. Expresar lo que guardamos y que en el deseo de compartir ese proceso cognitivo o de entendimiento deriva a iniciar una búsqueda para ser entendidos.
A lo largo de la historia de la humanidad encontramos signos, donde el hombre relata, se comunica, se expresa, el hombre en su necesidad de relacionarse unos con otros encuentra la comunicación, donde se requiere de un emisor, un código, un mensaje, un contexto, un canal y un receptor, ¿es el arte un canal? ¿Un medio físico-ambiental que hace posible la transmisión de un mensaje? ¿Qué tan efectiva es esta forma de comunicar? ¿Se puede llegar a un mismo resultado con diferentes canales? ¿Qué entiende por arte?
En el proyecto Dislocación existe el juego entre crítica social y la estética, cada artista posee un juicio respecto a la globalización y/o a nuestra destemplada realidad, se intenta poner en alerta al espectador sobre aquello que inquieta al artista, un disturbio mental que se formaliza producto a sucesivos electrochoques que poseen la necesidad de ser anunciados, de ser comunicado, de ser expuestos. Pero ¿qué son preguntas sin respuestas? Más bien, ¿de qué vale cuestionarse si no hay una búsqueda previa a la cuestión? En dislocación se exponen catorce radiografías locales que nos hablan del espacio geopolítico, del “pragmatismo” social, la “contra imagen” de la cultura, la cultura expendida, la exclusión social, el “residuo espacial”, las políticas habitacionales para vivienda social, la memoria, entre otros. Todo ello que no vemos pero tiene un cuerpo, una forma y una propuesta, donde aquellas me llaman más la atención son las que menos se involucran con la producción estética.
Invest and Dawwipe, una producción de RELAX, consiste en una instalación, donde se cuestiona el espacio público, y que no solo involucra chile, sino que a todo el mundo, el mensaje es claro y directo, se pierde el espacio público y se reemplaza por uno económico, ya que los procesos de inclusión y por consecuente exclusión, determinan un límite transformando el espacio público como un residuo espacial, es decir “lo que está fuera de”, sobrevalorando privatización del espacio. La manera en que la exposición se dispone, en primera instancia, es estableciendo en la entrada del salón un límite, un panel de madera vertical e inclinado que obstaculiza la entrada, y tras de aquel obstáculo, sonidos, más bien ruidos y/o estridencias que nos hacen creer que lo qué hay dentro de aquel salón es una “remodelación” o la elaboración de una nueva exposición, pero al darse cuenta que este límite es indirectamente abierto, uno se hace participe del espacio interior y de la obra como tal, inmediato al panel de madera encontramos una mesa y una silla, sobre esa mesa un periódico. El periódico databa 21 de septiembre de 1973, diez días posteriores al golpe de estado en chile, el cual fue influenciado por grupos de gran poder político y económico privado, no es casualidad de que en periódico alemán FAZ se encontrara enmarcado, con un plumón rojo, un recuadro que dice “Chile: investieren jetzt!” que significa, Chile: invierte ahora! . Al sentarse a leer el periódico, frente a frente nos encontramos con una pantalla que nos muestra imágenes del paisaje chileno, que produce la sensación de viajar, y un plano tres cuarto a contraluz de un hombre, sobre aquellas imágenes frases en otro idioma, que hablan de las fronteras, los límites geopolíticos y sociales. Previo encontramos una cama inclinada, de donde provienen los ruidos, ya que frente a ella, en un panel de madera cuelga una pantalla, donde se muestra el espacio público desde un interior, sensación parecida a encontrarnos con una especie de ventana, que nos muestra la vida allá fuera, bajo de esta cama inclinada se vislumbra otra pantalla, escondida e indirectamente expuesta, que produce una secuencia de ruidos, como golpes de palmas. Al observar aquella pantalla, reconocemos un primer plano de las piernas de alguien golpeándose con las manos. Para finalizar tras el panel de madera bastidores con mensajes, ironías de los artista hacia este acontecer global y frente a ello una rueda de la fortuna, que nos muestra el azar de aquellos límites.
¿Por qué? Es ahí donde el equipo de artistas promete instruir al espectador, donde el emisor favorito es el ciego, sordo, anoréxico o amnésico. Una obra que requiere de la participación del espectador y que se compone por canales que requieren tanto de la vista, como de la audición y el tacto. Pero ¿qué requiere de aquella obra para ser entendida? ¿El diálogo o lo estético? ¿Será que el arte ha dejado de ser una producción principalmente estética?
RELAX (Chiarenza & Hauser & Co.)
Es una agrupación compuesta por María Antonieta Chiarenza (nacida en 1957, Túnez) y Daniel Hauser (nacido1959, Berna) iniciada en la década de 1980 en París, en la ocupación ilegal de fábrica de Giraud-Phares. Durante la temporada de 1997 - 2001 recibieron la colaboración de Daniel Croptier (arquitecto y paisajista nacido en 1949, Biel-Bienne) por lo cual cambiaron su nombre a RELAX (Chiarenza y Hauser & Croptier) Desde 2003 los artistas han vivido y trabajado en Zurich bajo el nombre comercial de “RELAX (Chiarenza y Hauser & Co.)”, refiriendo “Co.” a diferentes colaboradores que han participado en sus obras. Estos artistas, cuyos estudios desconozco, me llaman profundamente la atención ya que a lo largo de su carrera han mostrado interés por temas sociales llevados a un ámbito más espacial, donde su preocupación se ha mostrado principalmente en los espacios públicos, ligándolos a temas socio-políticos y culturales. Fue en 1991 cuando el grupo se hizo conocido por su obra “Alleine denken ist kriminell” (pensamiento sólo es crimen), lo que los lleva a ser posteriormente reconocidos por obras como “Artists are no flags” (1993) (los artistas no son bandera), “Je suis une femme pourquoi pas vous?” (1995) (Soy mujer, Por qué no?) y “You pay but you don't agree with the price” (1994 - 2005). (Usted paga, pero no está de acuerdo con el precio), entre otras. Tras varias exposiciones y proyectos han recibido el premio “Meret Oppenheim” (2002), en honor a la artista surrealista, ya fallecida (1913-1980), otorgado anualmente en el pabellón suizo de la cultura a artistas connotados por su aporte y trayectoria, por lo demás, recibieron la residencia en Londres otorgado por la fundación Landis & Gyr, Zug.
¿Será que el arte ha dejado de ser una producción principalmente estética?
Para entender como el arte se ha desligado de la producción estética debemos recordar tres instancias fundamentales en la historia del arte, el quiebre que provoca Manet (1863), la crítica del juicio de Kant (1790) y el urinario de Marcel Duchamp (1917).
“El quiebre” de MANET
En primera instancia, el quiebre de Manet, con su obra merienda sobre la hierba (Le Déjeuner sur l’herbe – 1863). Édouard Manet es un pintor francés el cual no tuvo buena fama debido a sus polémicas obras, tanto en contenido y como en técnica, rechazado por el “Salón de parís”, por tanto, la academia de bellas artes, La “REAL” academia de pintura y escultura de la época, la cual anualmente exponía en el Louvre y se dedicaba a juzgar (mediante a jueces) lo aceptado y lo no. El salón de la época era algo así como un catálogo para burgueses, donde concurrían aristócratas e intelectuales y se llevaban a los artistas “aceptados” y/o de moda a sus palacios, así como trofeos, sin comprender más allá, sino, de cómo se le juzgaba a la obra, si era aceptada o no, y como lucía en esas paredes tan hermosamente decoradas.
En aquella época lo aceptado correspondía a un Ingres o a un Cabanel, pero Manet?, NO, estaba “lejos” de ser aquello, pues, era duramente criticado, pero sin embargo su aporte fue mayor, si observamos la obra merienda sobre la hierba nos daremos cuenta que la obra carece de relato, es decir no sigue la tradición semántica, lo que si encontraríamos en una obra de Ingres o de Cabanel. Pues, la obra trata de dos muchachas, una desnuda sentada en el pasto con dos caballeros completamente vestidos, en una merienda. Y otra de fondo “bañándose” en un río con una perspectiva incorrecta, una pincelada gruesa con las orillas de los cuerpos delineados, un gesto pictórico inaceptable, falto de mímesis y semántica tradicional. Pero ¿qué es lo importante? Según mi juicio, debido a este trasfondo social en el que se encontraba el artista se decide a cuestionar ¿qué es el arte? o quizás el no lo decide, pero su obra inspira aquello, sobre todo para los artistas más jóvenes, futuras vanguardias. A mi parecer Manet es el primero en definir el arte como libertad y expresión, saliendo de la norma, de lo impuesto, de lo aceptado, experimentando con la técnica, esa expresión formal “diferente”. ¿Habrá sido una casualidad? No lo creo, recordemos la Olympia del mismo autor y comparemos la obra con la Venus de Urbino, ¿qué vemos?, si nos damos cuenta la Olympia es como una ironía de la Venus de Urbino, así como de otras musas, La odalisca de Ingres o la maja desnuda de Goya, que poseen el mismo dialogo de la Venus, el relato mitológico. En la obra de Tiziano, vemos un muchacha de bien, recostada en un diván rojo, con cabellos rubios que caen sobres sus hombros, algo finamente erótico y extremadamente sensual, de bonitas proporciones, a los pies de ella un perro tranquilamente recostado sobre su aposento, como si nada pasara, y de fondo la servidumbre del hogar. Pero en la Olympia, un muchacha que más bien parece una dama de burdel, donde en su aposento en vez de reposar un perro hay un gato que parece asustado o desasosegado por la presencia de un espectador, y una mujer de piel “oscura” entregándole un ramo de flores, otra vez la pincelada, las orillas delineadas, otro escándalo. Pero sin embargo el primer paso para algo más potente por venir, el Arte moderno.
Es así como Manet rompe con la tradición académica y provoca a los futuros impresionistas, siguiendo sus pasos Courbet quien presenta obras con crítica social lo que lo lleva a ser un realista, activista y provocador, tal como Manet, recordemos su obra de los picapedreros y el origen del mundo.
KANT: La crítica del juicio
Otro factor que antecede traspaso hacia “la moderna concepción de arte” es la crítica del juicio de Kant en 1790, un año después de la revolución francesa, donde se cuestiona ¿qué es lo bello? Y renueva con la postura de la PERCEPCIÓN ESTÉTICA y del juicio del gusto, el cual se manifiesta LIBRE y desinteresadamente. La visión kantiana sobre el arte provoca un gran conciencia, en ese entonces, considerando el acontecer histórico de la época, el fragor sociopolítico asociado la llamada corriente del pensamiento (racionalista y/o empírica), las ideas de libertad e igualdad, el cambio ideológico, y todo ello que declina en revoluciones contra la sociedad burguesa, la convicción de que la razón, siempre en primera instancia, como el principio de todo, hasta de la existencia. Pese y considerando la soberbia de Kant, es este aquel quien materializa aquello que ya estaba en la mirada del intelectual de la época, particularmente, temas estéticos y tangencialmente, pero aún más profundos, y no menos importante, en la capacidad de juzgar que tenemos los humanos, es ahí dónde la crítica del gusto toca temas más profundos, en el corazón del desacierto humano y la convicción sobre la seducción y el placer a lo estético-formal, tanto así que produce cambios en la historia del arte, reflejado en las nuevas producciones artísticas (Así como anteriormente mencionábamos a Manet y a Coubert) y no tan solo artísticas, sino teóricas y filosóficas, en cuanto a problema estéticos, así como Kant dispone un pensamiento sobre la estética, muchos otros se vieron con la capacidad de poner en duda todo aquello que moralmente nos ha sido impuesto. Fundando el pensamiento moderno del arte, que hasta el día de hoy permanece latente, ejemplo, en el proyecto de dislocación hay evidencias claras de aquella concepción estética que se basa en una vivencia y que es parte, tanto así, de lo sensorial como de lo cognitivo.
El Urinario de Duchamp
Marcel Duchamp, es un artista Francés (1887-1968) precursor del arte moderno, precozmente conceptual, ligado a la vanguardia dadaísta, creador del Ready Made (ya hecho) donde se propone utilizar objetos ya hechos para componer una obra. “La Fuente” (1917) es la obra Marcel Duchamp expuesta en el museo de Arte Moderno de Nueva York, un urinario de porcelana blanco firmado a un costado supuestamente por “R. Mutt”, el primer Ready-Made Duchampiano expuesto en un museo. Siempre me pregunto que habrá pensado el publico asistente al museo cuando ve algo ajeno a lo que le llaman arte, algo que no es ni escultórico, ni pintoresco, algo que no estaban acostumbrados a ver, Marcel Duchamp pone en duda todo aquello que se presenta en un plinto, o en un institución llamada museo y nos hace cuestionar, nuevamente, qué es lo que comprendemos por arte, basta con escuchar sus palabras en el escrito “Movimientos de una rueda inmóvil”
“Sí, este fue mi primer ready-made. En 1913. Me divertía ver girar la rueda en mi estudio. Le di la vuelta, la clavé sobre un taburete de cocina y voilá.
_ Efectivamente, es una acción muy simple en si misma, pero detrás hay una componente psicológico muy grande, por todo lo que conlleva llamar a esta pieza resultante obra de arte.
_ Bueno, podríamos decir que es un cambio en el método de ejecución de la obra: siempre se había creado manualmente y yo propuse crearla mentalmente. Porque la mente más que la mano, puede afectar a otras mentes. Y esta era mi intención: provocar reacciones, independientemente de que fueran positivas o negativas.
_ Quizá sus intenciones llegaron a su máximo con el urinal.
_ Fountaine. Sí, fue el más atrevido, por decirlo de alguna manera. Se le llegó a prohibir al señor Mutt, o sea yo, de exponerlo en la exposición de 1917 de la «Sociedad para Artistas Independientes» de Nueva York, donde vivía desde 1915. Precisamente el año en que bauticé mis objets trouvés, precisamente con lo que llamaría yo una parole trouvé: ready-made.”
En las tres instancias que declaro primordiales para comprender la visión moderna, podemos extraer características que nos ayuden a comprender como es que el arte contemporáneo ha dejado en un segundo plano la estética, evidentemente no es olvidado, de hecho parece ser fundamental como se formaliza estéticamente las obras, es parte del lenguaje, pero aun así en primer plano existe un proceso intelectual que le otorga sentido a la obra, siendo el objeto una excusa para presentar ideas.
Expresión, estética y pensamiento.
Coetáneamente la producción de arte con un contenido socio-político cultural ha incrementado, lo digo así por que he visto como en los últimos años artistas se han inclinado por hacer un favor al mundo y abrirnos los ojos. Afortunadamente he tenido la oportunidad de ir a exposiciones donde mayoritariamente se expone producciones de este tipo, otro factor de este incremento es la accesibilidad que he tenido para ver estas producciones sin ser parte del mundillo del arte, no digo que se ha transformado en una moda, ni nada de eso, de hecho mientras esté más accesible a todos, mejor. Pero si, pongo en duda la necesidad de estudiar artes, para producir “una protesta intelectual”, pues si el arte ha dejado en un segundo plano la estética, no se requiere del buen ejecutar del oficio como tal, sino del ingenio para con este, en este caso el fin no justifica el medio, pues para una misma idea pueden existir variadas formalizaciones estéticas, lo importante es mostrar el contenido, ¿o no?
Este es buen ejemplo de lo indeterminado que es el arte, pues para la producción de relax ocurre exactamente lo mismo, pero me fue más didáctico aprender mediante a elementos dispuestos “compositivamente” en un espacio a modo de instalación. Sin embargo ¿qué hubiese pasado si los mismos artistas me hubiesen puesto un lienzo con todo el descontento que quieren expresar por escrito? quizás hasta hubiese sido más fácil para algunas personas comprender lo que el artista quiere expresar, ¿qué es lo que hace la diferencia entonces? ¿Cuál es el fin de este tipo de producción de arte? Haciendo alusión a las palabras de Duchamp “Porque la mente más que la mano, puede afectar a otras mentes”, es donde encuentro la respuesta y saco mis propias conclusiones, la mente que alude a la propuesta intelectual y la mano a la ejecución estética formal, son ambas presentes de una u otra forma en un producción de arte, pero si en distintos porcentajes, el arte requiere tanto de la mente como de la mano, se mueve dentro de esos parámetros algunas obras más de mente y otras más de mano, pues aquí la mente es más potente que la mano pero no se niega, así ocurre con la obra de relax, la mano, a lo que me puedo referir oficio no está en hacer las cosas claro, pero si en disponer y componer los elementos, el ingenio de hablar a través de los objetos, es la formula y lo que me seduce, el mensaje y el canal por el cual se trasmite, los dos importantes de mayor o menor medida pero importantes al fin y al cabo.
Bibliografía
Libros
-De Azúa, Félix, “Cortocircuitos, imágenes mudas”. Ed. Abada Editores, 2004.
-Kant, Immanuel, “Crítica del juicio seguida de las observaciones sobre el asentimiento de Lo bello y lo sublime”. Madrid. 1876.
-“Movimientos de una rueda inmóvil”. Una conversación alrededor de la Roue de Bicyclette de Duchamp, Barcelona.
-Schiner, Larry. “La invención del Arte”. Ediciones Paidós Ibérica, S.A. 2004.
Web
- www.e-flux.com/shows/view/3529
E-flux.com / comentario, fecha 09/18/06
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